Justus-Liebig-Universität GießenInstitut für Angewandte Theaterwissenschaft
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Desiring Powerlessness and Radical Change.


Technologies of Power, Affect, and Judgement in the Dispositifs of Art and Theatre.

International Conference organised by the DFG-funded Research Project "Theatre as Dispositif", Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, Justus-Liebig-Universität Giessen

Prof. Dr. Gerald Siegmund, Dr. Lorenz Aggermann, Georg Döcker, M.A.

April 12-14, 2018, Giessen, Germany


Contact: /

No registration required

Location: Margarete-Bieber-Saal, Ludwigstr. 34, 35390 Giessen



Day 1, Thursday, April 12

14.00h: Reception

14.30h: Introduction "Desiring Powerlessness and Radical Change"
Gerald Siegmund, Lorenz Aggermann, Georg Döcker

15.30h: Keynote 1 "The Non-Performativity of Protest Politics and the Erotics of Resistance"
Nikita Dhawan

16.30h: Coffee Break

Panel 1 "Power and Powerlessness in Art and Politics"

16.45h: "Activism and Transition"
Lev Kreft

17.30h: "You have the Artists too. Power of Political Self-Instrumentalisation in Arts"
Igor Stokfiszewski

18.15h: "Plastic Animals in Praxes of Metamorphosis"
Eve Katsouraki

19.00h: "Illusion as Dispositif. Play, Media, and Theatricality in Contemporary Politics"
Sebastián Calderón Bentin


Day 2, Friday, April 13

Panel 2 "Speaking Truth and Suspending the Power of Judgement"

09.30h: "Knowledge, Power, and Self-Relation in Late Foucault"
Stefan Hölscher

10.15h: "Towards an Aestheticisation of Judgement. The Power(lessness) of Milo Rau's Theatrical Tribunals"
Benjamin Wihstutz

11.00h: "Beyond the phantasm of unconditionality. On the illusion of powerlessness and emancipatory possibilities of theatre in Milo Rau and René Pollesch"
Andreas Tobler

11.45h: Coffee Break

12.00h: Keynote 2 "From the Art of Powerlessness to Strategies of Radical Change?"
Eric Alliez

13.00h: Lunch

Panel 3 "Biopower, Logistics, and Cybernetics in Theatre, Dance, and the Social"

14.00h: "Choreography Pornography Governance"
André Lepecki

14.45h: "Logistics, Dance, and Techniques of Choreo-Power"
Gerko Egert

15.30h: "Cutting in the Middle-Men. Cybernetic Conditions and the Thinking of the Chorus"
Sebastian Kirsch

16.15h: Coffee Break

Panel 4 "Performance, Social Change, and Precariousness in Neoliberalism"

16.30h: "Winning While Losing. Paradoxes of the (Artistic) Neoliberal Subject"
Rudi Laermans

17.15h: "Towards a Domestics of Performance"
Giulia Palladini

18.00h: "Who is enjoying poverty? A Critical Passage Through Renzo Martens' Institute of Human Activities"
Kati Röttger and Alexander Jackob

18.45h: Coffee Break

19.00h: Keynote 3 "Precarisation and (Queer) Debts"
Isabell Lorey


Day 3, Saturday, April 14

Panel 5 "Negativity and Change in Processes of Subjectification"

9.30h: "Complexity of Power in the Ludic Stance"
Alice Koubova

10.15h: "Des/Orientation as it Happens"
Katharina Kleinschmidt & Lea Spahn

11.00h: Coffee Break

Panel 6 "Affects of Powerlessness and Change: Performance and Modes of Negativity"

11.15h: "Wounds of the Eroded Image: Hopelessness and the Problem of a Beautiful End in the Work of Kris Verdonck"
Peter Eckersall

12.00h: "An Undecidable Collective Body"
Silvia Bottiroli

12.45h: "What About Idleness? Theatrical Modes of Undoing and the Morality of Inactivity"
Anika Marschall

13.30h: Lunch

14.30h: Closing Discussion

16.00h: fin

Theater als Kritik


Sehr geehrte Damen und Herren, liebe Kolleginnen und Kollegen,

wir freuen uns sehr, Ihnen anbei das Programm des 13. Kongresses der Gesellschaft für Theaterwissenschaft in Frankfurt am Main und Gießen vorstellen zu können. Der Kongress lädt unter dem Titel „Theater als Kritik“ vom 3. – 6. November dazu ein, Theater als eine kritische Praktik im doppelten Sinne zu untersuchen: Vor dem Hintergrund der Krise klassischer Begründungen des Theaters wie der Kritik sollen deren Geschichte, Theorie und Fragen neu beleuchtet werden. Nicht also die Gegenstände der Kritik des Theaters stehen zur Debatte, sondern vielmehr diese Kritik selbst. Plenarvorträge von Shannon Jackson (Berkeley), Christoph Menke (Frankfurt) und Werner Hamacher (Frankfurt) sowie rund 200 Einzel-Vorträge in über 60 Panels werden dabei durch ein künstlerisches Programm von Studierenden der Hessischen Theaterakademie (HTA) und einer Aufführung von „Five Easy Pieces“ von Milo Rau/IIPM und CAMPO ergänzt. Besonders freuen wir uns über die weitere Internationalisierung des Kongresses – etwa ein Viertel der Teilnehmenden kommt von Instituten außerhalb Deutschlands, Österreichs oder der Schweiz. Erstmals werden durchgängig englischsprachige Panels angeboten und die Plenarvorträge mit einer englischen Übersetzung übertitelt.

Weitere Informationen: http://www.theater-als-kritik.de/

The Public Commons and the Undercommons of Art, Education, and Labor


An International Conference hosted by the MA program Choreography and Performance (Gießen)

May 29 till June 1 2014

TICKETS
Registration is for free but required (undercommons@gmail.com)
More infos at: http://tinyurl.com/nlsmzem

One of the global tendencies that describes the current situation of the arts under the conditions of neoliberal capitalism is privatization and financialization, in which both the arts and education lose the meaning and the status of a public good. Using the pretext of austerity and strategies of neoliberal policy, the state is dismantled in its public sector, disowning the arts and education as common concerns. While, on the one hand, it goes hand in hand with the transformation of labor in post-Fordism, de-skilling and re-skilling which trains flexible subjects, and, on the other hand, it reflects the temporality and affective modes of project-based, intermittent and precarious work, this tendency plays out as a merge between art and education, leaning on art as research, or art as practice, to name a few concepts in recent debate.

The past few years have witnessed a paradox in the development of higher education in the arts and university. On the one side, MA and doctoral programs in the arts are proliferating, thus registering an increased influx of artists into the academy. “Creative-art” and “practice-based” doctorates offer institutional support to artistic research, in other words, a refuge for many young artists who are struggling in precarious conditions of freelance production. To continue one’s studies by going back to school doesn’t just present a temporary relief from the art market, it responds to a relentless feeling of various kinds of structural lack: of knowledge, an incurable “unlearnedless” that artists express in the wake of knowledge economy; of consistency in work, which is compensated or covered by conflating one’s art with a project of lifelong learning and subject-formation; of public space that can be hijacked into a platform of artistic, theoretical, social or political gathering and activity; of time that is punctuated and fragmentarized by projects, nomadic lifestyle, and other forms of job opportunity that thwart the experience of duration in which things may go astray, in which one may hesitate, delve into something that doesn’t seem useful yet, drastically change or simply research. In sum, there are many positive aspects of higher education in the arts that empower artists today and, thereby, explain the mass exodus of artists from the artistic scene toward the university. But there are equally many problems associated with, what was uncritically appraised as the “educational turn” in the arts, which prompt us to organize this conference.

What makes this seemingly positive development a paradox lies in the context of the neoliberal transformation of university. Paradoxically enough, the burgeoning of new academic degrees in the arts coincides with the budget cuts, and the rise of student fees, as well as other financial measures, like the merge of departments in which the humanities, and especially philosophy are under attack since they foster research without social benefit. These changes are viewed from the immediate social and political effects they have in the first place. Students’ life is financialized, as the students who protested the increase of fees in the University of California, Santa Cruz observe: “The jobs we are working toward will be no better than the jobs we already have to pay our way through school.” University is being run like a corporation, which even in state-funded schools entails the influence of private capital, and the protection of its interests. Students’ uprisings in the U.K., the U.S., Canada and across (the continental) Europe in 2010, reflect their mobilization as one of a political class that recognizes precariousness as its permanent condition and university as one of the “factories” of this precariousness. Thus, in the manifestos of “Edu-factory,” which describes itself as “a transnational collective engaged in the transformations of the global university and conflicts in knowledge production,” or in the students’ mobilization in Zagreb, the crisis of higher education is immediately recognized as a political problem, corresponding to the decline of the welfare state and with it, the public sector and the public or common goods: education, healthcare, and art.

One strategy is to continue to fight frontally against the neoliberal policies implemented through the Bologna Process. Such position implies engaging collectively, and sometimes even militantly, in political and ideological issues of an anticapitalist struggle, where the right to free education is a socialist demand for a common good. Another viewpoint, profferred by Stefano Harney and Fred Moten in their radical phrase of “undercommons,” implies resistance, subversion and trouble-making from within:

"Students must come to see themselves as the problem, which, counter to the complaining of restorationist critics of the university, is precisely what it means to be a customer, to take on the burden of realization and always necessarily be inadequate to it. Later, these students will be able to see themselves properly as obstacles to society, or perhaps, with lifelong learning, students will return having successfully diagnosed themselves as the problem (...) How to exceed the profession, and by exceeding to escape, problematize themselves, force the university to consider them a problem, a danger (...)"

Harney and Moten are right when they debunk the standpoint of the professionalized student or academic who distances herself in critical skepticism, because it is “the most active consent to privatize the social individual.” It is necessary, at least from the outset, not to foster skeptical attitudes that equip young citizens, be they artist students or not, with opportunist cynicism and bad faith. Yet, it might also be important to distinguish various aspects that the crisis of the university and the higher education in the arts comprehends, and articulates in relation to the art practices and global social transformations. Therefore, the conference would like to address the questions arising from the analysis above of the current situation that students, artists, activists, scholars, researchers in humanities, professors, and outcasts of the university find themselves in.

What does it mean or take to fight against the privatization and corporatization of the university today? Which positions and strategies can be staked out in defining the struggle? Is the corporatization of the university a global phenomenon, the “wind that comes from the West,” from Britain spreading into the continental Europe through Holland or are there still significant differences in various social and political contexts in Europe? What is distinctive about the new academic research programs in the arts compared to the humanities? What are the aesthetic and political facets of developing artistic research under the provisions of the academy? What transformations of the arts are to be expected by the infuence of the art PhDs? Should we fear the university as a “greenhouse to pamper” artists as “hothouse flowers” (James Elkins) whose art will become, as it were, more academic? And, in turn, are we also to expect an inflation of academic degrees and what effects could it have on the job market? Or, could there also be a positive transaction from the political lessons artists may learn in the institutional environment of the university into the art practices, and perhaps, even into the concerns with the public sphere in which art also participates?

The conference aims to highlight the positions of students, artists, activists, scholars, researchers, professors, outcasts etc. concerned with the aforementioned crisis of the arts and education regarded in a broader context of the crisis of labor and the public sphere in neoliberal society. Once a critical diagnosis of the situation is exhausted, the discussion will seek to distinguish constructive views, proposals and terms, under which our concerns can be articulated into concrete demands, strategies and actions.

The political direction of this conference must have a bearing on its set-up. Instead of hosting pre-written papers in an event that exhausts itself in punctual representation, the conference proposes three temporally distinct phases of development. In the first phase, participants are invited to send a short text in which they articulate their views, analysis, arguments for debate. The short texts are then exchanged between all participants well in advance, prior to the conference. At the same time, those who already have (or want to write) longer texts in response to the conference call are invited to submit them for a pre-publication, a reader as another, more deliberated point of departure for the conference-event. In the second phase, the event of the conference unfolds in discussions organized around problems and themes that arose in written statements, where the views drafted in the short texts may serve as arguments to develop, depart from or contest. In the third phase, those participants who wish to take the discussion further after the event, are invited to rewrite or write anew a text, which will be subsequently published under the proceedings of this meeting. Instead of having yet another line-up of representative lectures, we would like to push the discussion into a commitment to consequences that a discussion may produce.

Concept: Bojana Cvejić, Stefan Apostolou-Hölscher, and Bojana Kunst.
Realization: Bojana Cvejic, Stefan Apostolou-Hölscher, Marta Keil, Bojana Kunst, and Frank Max Müller.
Reader (Phase I): Tom Engels.
Helpers: Franziska Aigner and Katja Čičigoj.

The International Conference The Public Commons and the Undercommons of Art, Education, and Labor is hosted by the MA program Choreography and Performance (Institute for Applied Theatre Studies, Justus Liebig University, Gießen) and organized in collaboration with the Hessian Theatre Academy (HTA), the East European Performing Arts Platform (eepap), Create to Connect (Ljubljana), ID Frankfurt, and Frankfurt LAB, which will also be its venue. It is funded by Deutsche Forschungsgemeinschaft (DFG).


CONFIRMED SPEAKERS SO FAR

Harutyun Alpetyan (Yerewan)
Corruption vs Education: contextual (dis)similarities of public good substitutes

Gigi Argyropoulou (Athens)
In tight places: Breaks, disruptions, and moments of disorder

Tilman Aumüller
Alexander Bauer
Philipp Bergmann
Alma Wellner Bou
Triada Kovalenko
Christopher Krause
Elisabeth Krefta
Anne Mahlow
Michel McCrae
Thea Reifler
Matthias Schönijahn
Miriam Schulte
Ola Stankiewicz
--> Boycott Maxim Gorki Festival Berlin (Gießen)
Between Art and Politics. Boycott at Maxim Gorki Theatre 2013

Gigi Roggero/Edu-factory Collective (Bologna)
The university is not good, but it should be common

Stefano Harney (Singapur)
Shipping, Finance, Proximity: Hapticality past and present

Independent Dance (Frankfurt)
Rough Cuts

Marta Keil (Warsaw/Lublin)
"Would you consider yourself too busy or not busy enough?". A curatorial turn as a self-definition and legitimacy of the curatorial industry

Gal Kirn (Ljubljana/Berlin)
(Self-)education: between amateur and professional. A few remarks on the Yugoslav and contemporary flexible work conditions

Efva Lilja (Stockholm)
Shaking the System by Action

Isabell Lorey (Berlin/Basel/Vienna)
Social Reproduction, Democracy, and the Commons

Boyan Manchev (Berlin)
N.N.

Randy Martin (New York)
Art's Politics: An Interventionist Curriculum

Bojana Mladenović (Amsterdam)
Do we need to produce when we research and don’t we need to research when we produce?

Isabel De Naverán (Bilbao)
We don't have time, so we have to think

Nina Power (London)
Art, Life & Money: the Material Conditions for Immaterial Labour

Goran Sergej Pristaš (Zagreb)
Atomization of Artistic Labour

Jason Read (Portland)
Individuating the Common

Jan Ritsema (St. Erme)
The Army of Artists

Mårten Spångberg (Stockholm)
Artforum

Ana Vujanović (Berlin/Hamburg/Belgrade)
A Community Between and Under Common

Themen: Forschung/Theorie, Performance, Tanz, Workshop/Vermittlung
Institut für Angewandte Theaterwissenschaften
http://www.frankfurt-lab.de/aktuelles/detail/the_public_commons_and_the_undercommons_of_art_education_and_labor.html

Theater als Dispositiv


Dysfunktion, Fiktion und Wissen im Dispositiv der darstellenden Kunst
Eine Tagung des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft,
Justus-Liebig-Universtität Gießen
5. und 6. Dezember 2014, Georg-Büchner-Saal
Leitung: Prof. Dr. Gerald Siegmund, Dr. Lorenz Aggermann, Georg Döcker

Tagungsprogramm
Freitag, 5. Dezember 2014, Georg-Büchner-Saal, Bismarckstraße 37, 35390 Gießen

14.00 Uhr Grußworte, Einleitung

14.30 Uhr Prof. Dr. Andreas Hetzel (Magdeburg): Demokratische Dispositive. Bemerkungen zur klassischen Tragödie

15.15 Uhr Prof. Dr. Mirjam Schaub (Berlin/Hamburg): Dispositive und Ausnahmezustände. Stanley Kubricks "Dr. Strangelove" als Probe auf die Dispositivdiskussion bei Canguilhem, Foucault und Deleuze


16.00 Uhr Kaffeepause


16.15 Uhr Prof. Dr. Juliane Vogel (Konstanz): "More arrivance." Auftrittsdispositionen im Gegenlicht

17.00 Uhr Prof. Dr. Ulrike Haß (Bochum): Was einem Dispositiv notwendig entgeht


17.45 Uhr Kaffeepause


18.00 Uhr Prof. Dr. Dirk Baecker (Friedrichshafen): Zur Form des Theaters


Samstag, 6. Dezember 2014, Georg-Büchner-Saal, Bismarckstraße 37, 35390 Gießen

9.00 Uhr Dr. Christian Berkenkopf (Münster): Notwendige Dysfunktionalität? Theologische Überlegungen zum Verständnis der Sünde als ethischem Dispositiv

9.45 Uhr Prof. Dr. Yannick Butel (Marseille): Vers la fin du rideau idéologique: Le théâtre comme dispositif... sur les chemins de la fin du rideau idéologique


10.30 Uhr Kaffeepause


10.45 Uhr PD Dr. Birgit Wiens (München): Die Kunst der Szenographie. Ästhetik und Episteme

11.30 Uhr Dr. André Eiermann (Köln): Aspekte des Scheins im Dispositiv der Aufführung


12.15 Uhr Mittagessen


13.15 Uhr Prof. Dr. Nikolaus Müller-Schöll (Frankfurt am Main): Theater des Unsichtbaren. Vom Anfang und Fluchtpunkt jeder Politik

14.00 Uhr Prof. Dr. Bojana Kunst (Gießen): Radical consumption in Contemporary Performance: The dispositif of (de)subjectivisation


14.45 Uhr Kaffeepause


15.00 Uhr Prof. Dr. Petra Löffler (Weimar): Theorie-Szene(n)

15.45 Uhr Dr. Alexander Jackob (Amsterdam): Dispositive – Experimentalsysteme? Die Operninszenierungen von Fura dels Baus im Zeitalter der biokybernetischen Reproduzierbarkeit


16.30 Uhr Ende der Tagung


Konzept
Was ist ein Dispositiv? fragt Giorgio Agamben im Rekurs auf Michel Foucault, um dessen Abrücken vom Begriff der epistemé nachvollziehen und die damit einhergehende Neuorganisation von Wissen konturieren zu können. Nach Agamben bezeichnet das Dispositiv ein Netz zwischen diskursiven und nichtdiskursiven Elementen, das sich in zu einer bestimmten Zeit herausbildet, um ein Problem in gesellschaftlichen und kulturellen Ordnungen zu lösen (Agamben: 2008) Das Dispositiv antwortet somit auf die Dysfunktionalität einer Ordnung. Es ist mithin eine Machttechnologie und ein Regulierungssystem von Wissen, potentiell gefährlichen Energien und gesellschaft-lichen Kräfteverhältnissen (Foucault: 2003), das produktiv wirkt. Die Art und Weise, wie Dispositive materielle als auch immaterielle Elemente vernetzen und konstellieren, determiniert den Wissens- und Handlungsraum der darin involvierten Subjekte. Die Elemente, die ein Dispositiv bilden, können in ihm indes nie ganz aufgehen, da sie stets über- oder unterdeterminiert bleiben – ein maßgeblicher Unterschied zur abgeschlossenen Ordnung, zur fixierten Struktur. Sie können sich dem Dispositiv entziehen oder aber Teil mehrere Dispositive sein, können die vorgängige Ordnung und Strategie subvertieren. Explikation und Reflexion eines Dispositivs müssen demnach in jenen Fehlern und Abweichungen ihren Ausgangspunkt nehmen, die der Ordnung von Dingen wie von Wissen eingeschrieben sind.

Die Tagung Theater als Dispositiv möchte diese These weiterführen und künstlerische und ästhetische Praktiken als Dispositiv verstehen. Sie möchte fragen, auf welche inkommensurablen Ordnungen, auf welche Dys-funktionen diese Dispositive antworten. Dabei ist zunächst der Widerspruch festzuhalten, der aus der Verbindung von Kunst und hier vor allem Theater und dem Gedanken des Dispositivs hervorgeht (Bippus/Huber/Nigro: 2012). Verspricht Kunst und die mit ihr verbundene ästhetische Erfahrung stets ein Moment der Freiheit, steht das Kon-zept des Dispositivs zunächst für Einschränkung und zielgerichtete Problemlösung. Doch sowohl Kunst als auch Dispositive sind keine abstrakten Denkfiguren, sondern müssen sich materialiter niederschlagen - in Architektur und Stadtplanung, in Betriebsanleitungen oder Gesetzesvorlagen, in Ausstellungen und Aufführungen. Während in den Ordnungen des Alltags die Über- respektive Unterdeterminiertheit des zugrunde liegenden Materials zum störenden Element wird, sorgen die daraus resultierenden Dysfunktionen und Anomalien im Rahmen der Kunst für die entscheidende Qualität. Kunst weiß sich diese in und als Fiktion zu nutze zu machen: Die theatrale Spaltung von Blick und Gehör oder das urbanistische dérive sowie zahlreiche weitere ästhetische Praktiken stellen die Ord-nungen des Subjekts nicht nur in Frage, sondern generieren darüber eine Eigengesetzlichkeit, die der Kunst ihren Wert verleiht.

Von der Kunst, ihren Produktions- und Rezeptionsprozessen lassen sich deshalb in der Frage nach dem Dispositiv als erkenntnistheoretisches Modell entscheidende Aufschlüsse erwarten. Besondere Relevanz kommt hierbei der darstellenden Kunst zu, da in der Aufführung einander bedingende und widersprechende, historische und gegenwärtige Ordnungen sinnlich erfahrbar werden. Theater ist der paradigmatische Verhandlungsort von Dispositiven, gerade weil Theater nur als Dispositiv – als Verbindung von materiellen (Körpern, Gegenständen, Räumen) und immateriellen, diskursiven Elementen (Bewegung, Klang, Stimme)– zu fassen ist. Die Tagung fragt nach den Bruch- und Nahtstellen, an welchen die dispositivische Verfaßtheit von Kunst plötzlich hervortritt und einsehbar wird.

Für die Theaterwissenschaft steht mit dem Dispositivbegriff der zentrale Gegenstand des Fachs auf dem Prüfstand: die Aufführung (Herrmann: 2006/1931). Ausgehend von einem erweiterten vernetzten Wissensbegriff unternimmt dieser Ansatz die Neudefinition der Aufführung als spezifisches Dispositiv, das aus anderen, gesell-schaftlichen Dispositiven hervorgeht und Teil von ihnen ist, zugleich aber mit ihnen spielen kann. Im Gegensatz
zu bereits bestehenden Aufführungsbegriffen – die Aufführung als Text (Fischer-Lichter: 1983), die Aufführung als Erfahrung (Schechner: 1990), die Aufführung als Ereignis (Fischer-Lichte: 2004, Müller-Schöll: 2003) - besteht das fachwissenschaftliche Novum dieser Definition darin, dass nach der Konstitution der Aufführung und der Heraus-bildung spezifischer Aufführungsformate (z.B. das bürgerliche Illusionstheater, Regietheater, Lecture Performance, Work-in-Progresss, Artistic Research-Formate) im Wechselspiel historischer, gesellschaftlicher, institutioneller und ästhetischer Bedingungen gefragt werden kann.

In der bisherigen Forschung (Fischer-Lichte: 2004) wird die Aufführung als Bedingungsverhältnis von vier Kategorien betrachtet. Sie konstituiert sich in ihrer performativen Dimension als Hervorbringung spezifisch ver-körperter Materialitäten, die zur Darstellung gelangen und damit ihren Wahrnehmungsraum durch die leibliche Ko-Präsenz von Akteuren und Zuschauern im Vollzug selbst erzeugen. Versteht man die Aufführung indes als Dispositiv, so lassen sich konkreter als in dem von Fischer-Lichte vorgeschlagenen Modell die Produktionsver-hältnisse einer Aufführung sowohl auf allgemein institutioneller wie auf inszenierungsbezogener Ebene in den Blick nehmen und mit Fragen nach den Rahmungen, den Modi der Präsentation und der Steuerung von Wahr-nehmung und Rezeption verbinden. Die Konstitution der Aufführung erfolgt hier bereits durch institutionalisierte Produktions- und Rezeptionsverhältnisse, an denen auch allgemeine gesellschaftliche und wissenschaftliche Diskurse Anteil haben. Demgegenüber steht die Frage nach der Spezifik theatraler Dispositive. Zu fragen wäre demnach in zweifacher Richtung: a.) Welche (bereits bestehenden) Dispositive verhandelt das Theater? Und b.) Welche Dispositive bildet das Theater als Eigenleistung heraus? Ausgehend von der Foucaultschen Beschreibung der Leistung von Dispositiven stellt sich hier die Frage nach der Ambivalenz der Aufführung zwischen zielgerichteter Lösung allgemeiner gesellschaftlicher Probleme, für die ein Dispositiv ,eingerichtet‘ wird, und einer Umwertung oder gar Öffnung dieser Dispositive als ästhetischer Mehrwert des Theaters. Vor dem Hintergrund dieser Prämis-sen zeichnen sich nachfolgende Überlegungen ab, in deren Zentrum die Fragen nach Dysfunktion und Fiktion stehen – zwei Mechanismen, die in den gegenwärtigen Aufführungsformaten und Organisationsformen von Theater mannigfaltig ausgespielt werden und die weiterführende Antworten auf die Frage nach dem Dispositiv eröffnen:

Nicht-diskursive Elemente der Aufführung wurden in der Theaterwissenschaft zuletzt vor allem unter dem Paradigma der Performativität diskutiert, wodurch ihnen primär eine emanzipatorische Wirkung zugestanden wurde. Versteht man den performativen Akt jedoch als Element eines Dispositivs oder als Verschränkung mehrerer Dispositive, so erweist er sich als strategisches Mittel, als eine Machttechnologie, die Zwecken und Zwängen unterliegt. Sein Status ist daher im Hinblick auf jene Dysfunktionen erneut zu befragen, die mit einem jeden, vermeintlich setzenden performativen Akt einhergehen.

Abweichungen und Dysfunktionen führen zwangsläufig zu einem Moment, an dem das Dispositiv sich selbst aus- respektive das darin involvierte Subjekt freisetzt. Dieser kontingente Moment fordert alternative Strategien und Praktiken ein, die ihrerseits in neuen Dispositiven entworfen und erprobt werden. Die Dysfunktion verrückt den realen Vollzug und lässt bekannte Strategien und Praktiken ins Leere laufen, ohne diese letztgültig zu dispensieren – sie eröffnet eine Ebene der Fiktion, die im Anschluss eingeholt werden muss. Die Frage nach der Fiktion zeichnet sich dann am Horizont ab, wenn durch Kontingenz alternative Produktions- und Rezeptions-haltungen im und zum Dispositiv erprobt werden können. So ist die Performativität der Aufführung zwar ein realer Vollzug, der eine Wirklichkeit herstellt. Doch ist diese gleichzeitig eine ,als ob‘ Wirklichkeit und damit zugleich auch immer ein Aussetzen des realen Vollzugs. Dysfunktion und Fiktion lassen sich somit nicht nur als zentrale Mechanismen der Aufführung ausweisen, sondern ebenso als entscheidende Parameter in der Organisation von Wissen, da die Fiktion die dysfunktionalen Momente im Dispositiv zu kompensieren versucht.

Ein konkretes Beispiel vermag diesen Ansatz zu plausibilisieren: Als Wagner den Ring des Nibelungen komponierte, schuf er, vor dem Hintergrund des Festspielhauses in Bayreuth, in der Brünhilde ein akustisches Ideal - sein ,Weib der Zukunft‘. Diese Zukunft läßt sich heute kaum mehr einholen. Denn mit dem Aufkommen von Musik-trägern setzte sich im Musiktheater eine neue ökonomische als auch ästhetische Ordnung durch. Die Erwartung an die vokale Leistung als auch das Bedürfnis nach immer neuen Stimmen stieg, sodaß den Sängerinnen kaum die nötige Zeit zur Entwicklung - von der Soubrette über den lyrischen zum dramatischen Sopran - bleibt, und jene, die eine entsprechende Performance gewährleisten, auf den zahlreichen Bühnen dieser Welt ihre Stimme über-strapazieren. Diese Situation gipfelt derzeit darin, daß die Partie der Brünhilde kaum mehr zu besetzen ist, worauf der Betrieb reagiert, indem er verschlankte und gekürzte Versionen des Rings präsentiert oder die Sängerinnen elektroakustisch unterstützt. Diese veränderten Determinanten bestimmen nicht nur die einzelne Aufführung, sondern nehmen wiederum Einfluß auf die generelle Rezeption von Musiktheater ...

Die Tagung versteht sich als Fachtagung, die eine für das Fach Theaterwissenschaft neue methodische Fragestellung im Dialog mit den Nachbardisziplinen wie der Soziologie, der Philosophie und der Kulturwissenschaft erproben möchte. Die Tagung verspricht sich Auskünfte darüber, inwieweit die methodische Neuerung, ästhetische Phänomene und insbesondere darstellende Kunst als Dispositiv zu fassen und zu analysieren, gewinnbringend entwickelt werden kann. In der Soziologie gibt es bereits Ansätze, den von Foucault und Agamben vorgeschla-gene Dispositivbegriff für die Untersuchung gesellschaftlichen Wandels fruchtbar zu machen (Bührmann/Schneider: 2008). Dies steht für den Bereich der Kunst und vor allem der darstellenden Kunst noch weitgehend aus, gewinnt aber im Zuge jüngere Debatten um Netzwerkkulturen sowie den Diskussionen über eine veränderte Wissenskultur im Zuge der digitalen Revolution immer mehr an Dringlichkeit. Gerade das Theater als Medium, das Öffentlichkeit herstellt und diese als integralen Bestandteil seiner Kunst begreift, erscheint in Gestalt seiner Auf-führungen prädestiniert, diese Vernetzung von heterogenen Elementen und Diskursen aufzugreifen und anzuzeigen, um sowohl spielerisch als auch kritisch mit dem produzierten Wissen umzugehen. Am Beispiel der Aufführung –seit jeher das methodische Zentrum der Theaterwissenschaft – soll somit der gegenwärtige erkenntnistheoretische Wandel von der Ordnung der Dinge zum Dispositiv paradigmatisch nachgezeichnet und in seinen Auswirkungen reflektiert werden.

Literaturangaben:

  • Agamben, Giorgio (2008): Was ist ein Dispositiv? Zürich/Berlin: Diaphanes.
  • Bührmann, Andrea D./Schneider, Werner (2008): Vom Diskurs zum Dispositiv. Eine Einführung in die Dispositivanalyse. Bielefeld: Transcript Verlag.
  • Fischer-Lichte, Erika (1983): Semiotik des Theaters Band 3. Die Aufführung als Text. Tübingen: Gunter Narr.
  • Fischer-Lichte, Erika (2004): Vier Thesen zum Aufführungsbegriff. In: Erika Fischer- Lichte, Clemens Risi, Jens Roselt und Christel Weiler (Hg.): Kunst der Aufführung - Aufführung der Kunst. Berlin: Theater der Zeit.
  • Foucault, Michel (2003): Das Spiel des Michel Foucault. in: Dslb.: Schriften in vier Bänden. Dits et Ecrits, Bd. III. Frankfurt a. M.: Suhrkamp.
  • Herrmann, Max (2006/1931): Das theatralische Raumerlebnis. In: Jörg Dünne und Stephan Günzel (Hg.): Raumtheorie. Frankfurt a. M.: Suhrkamp.
    Müller-Schöll, Nikolaus (Hg.) (2003): Ereignis. Bielefeld: Transcript Verlag.
  • Schechner, Richard (1990): Theateranthropologie. Spiel und Ritual im Kulturvergleich. Reinbek: Rororo.


Anfahrt
Die gesamte Tagung findet im Georg-Büchner-Saal der Justus-Liebig-Universität statt. Er befindet sich in der Bismarckstraße 37 in 35390 Gießen.

Anfahrt mit den öffentlichen Verkehrsmitteln
Sie erreichen das Gebäude des Georg-Büchner-Saals direkt mit dem Bus, unmittelbar vor dem Gebäude befindet sich die Bushaltestelle „Liebigschule“.

Sollten Sie mit dem Zug beim Bahnhof Gießen ankommen, empfehlen wir Ihnen, eine der folgenden Buslinien zu nehmen:
Die Linien 372, 375 und 377 fahren direkt innerhalb von 6 Minuten vom Bahnhof zur Haltestelle „Liebigschule“, verkehren allerdings nur in großen Intervallen.
Alternativ können Sie mit der Buslinie 2 bis „Berliner Platz“ fahren und dann zu Fuß gehen, und zwar zuerst zum rechts gelegenen Ludwigsplatz, dort wieder nach rechts die Ludwigstraße entlang bis Sie zur kreuzenden Bismarckstraße gelangen, die Sie nach links abbiegen und noch in etwa 500m bis zur Nummer 37 weitergehen. Oder steigen Sie bei „Berliner Platz“ in die Buslinien 3 (Richtung Gießen Schwarzacker), 13 (Richtung Gießen Dialysezentrum) oder 802 (Richtung Gießen Rathenaustraße) um, deren nächste Station jeweils „Liebigschule“ ist.

Für Ihre individuelle Reiseplanung empfehlen wir Ihnen die Verbindungssuche unter: www.rmv.de

Sollten Sie vom Bahnhof direkt mit dem Taxi zum Tagungsort gelangen wollen, sollte Sie die Fahrt nur in etwa 5 bis 7 Euro kosten. Einen Taxistand finden Sie unmittelbar vor dem Bahnhof.

Anfahrt mit dem PKW
Sollten Sie aus dem Süden aus der Region Frankfurt anreisen, fahren Sie auf der A5 bis Sie zum Autobahnkreuz 11-Gambacher Kreuz gelangen. Nehmen Sie dort die Abfahrt zur A45 in Richtung Köln/Dortmund/Wetzlar/Marburg/Gießen. Am Autobahnkreuz 33-Gießener Südkreuz fahren Sie daraufhin auf die A485 in Richtung Marburg/Gießen/Linden ab. Bei der Ausfahrt 6-Gießen-Schiffenberger Tal fahren Sie in Richtung Gießen-Schiffenberger Tal/Pohlheim und schließlich fahren Sie den Schiffenberger Weg entlang, der in die Bismarckstraße mündet.

Sollten Sie aus dem Nordosten aus der Region Kassel anreisen, fahren Sie auf der A5 bis zur Abfahrt 9-Reiskirchen und biegen Sie dort auf die B49 in Richtung Reiskirchen/Buseck ab. Fahren Sie 7,5km die B49 entlang, bis Sie zur Grünberger Straße gelangen. Biegen Sie links auf die Grünberger Straße ab und fahren Sie 2,0km weiter bis zum Ludwigsplatz. Biegen Sie dort links auf die Ludwigstaße ab, fahren Sie diese 200m entlang und biegen Sie dann in die nach links in die Bismarckstraße ein.

Sollten Sie aus dem Nordwesten aus der Region Ruhrgebiet anreisen, nehmen Sie die A45 und fahren Sie bis zum Autobahnkreuz 33-Gießener Südkreuz. Halten Sie sich dort rechts und fahren Sie auf die A485 in Richtung Kassel/Erfurt/Gießen ab. Bei der Abfahrt 6-Gießen-Schiffenberger Tal fahren Sie Richtung Gießen-Schiffenberger Tal/Pohlheim. Abschließend biegen Sie rechts auf den Schiffenberger Weg ab, der in die Bismarckstraße mündet.

Wir Sind Ihnen gerne bei der Planung Ihrer Anfahrt und Reise behilflich. Schreiben Sie dazu bitte eine E-Mail an Georg Döcker: g.doecker[at]gmx.at

Unterkunft
Wir sind Ihnen gerne bei der Suche einer geeigneten Unterkunft behilflich. Schreiben Sie dazu bitte eine E-Mail an Georg Döcker: g.doecker[at]gmx.at

Kontakt
Schreiben Sie uns jederzeit, falls Sie Fragen zur Tagung haben sollten. Wenden Sie sich dazu bitte an Dr. Lorenz Aggermann – lorenz.aggermann[at]theater.uni-giessen.de – oder Georg Döcker – g.doecker[at]gmx.at

„Lernen, mit den Gespenstern zu leben.“ Das Gespenstische als Figur, Metapher und Wahrnehmungsdispositiv in Theorie und Ästhetik


Symposium im Künstlerhaus Mousonturm,
Waldschmidtstrasse 4, 60316 Frankfurt am Main,

31.10.- 02.11.2013.

Eine Veranstaltung des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft, Justus-Liebig-Universität Gießen und dem Künstlerhaus Mousonturm, Frankfurt am Main im Rahmen der Hessischen Theaterakademie, in Kooperation mit der Evangelischen Akademie Hessen und Nassau e. V., Frankfurt am Main


Zum Symposium:

„Lernen, mit den Gespenstern zu leben, in der Unterhaltung, der Begleitung oder der gemeinsamen Wanderschaft, im umgangslosen Umgang mit den Gespenstern.“
Jacques Derrida


Gespenster – etwas kehrt wieder, geht um, obgleich es bereits als tot erklärt wurde, macht sich bemerkbar, sucht Körper, Orte und Objekte heim, obwohl ihm kein Platz mehr in der Gegenwart der Lebenden eingeräumt wird. Aufklärung und Moderne widmeten sich der Bekämpfung des Gespensterglaubens und dennoch bevölkern Figurationen des Gespenstischen nicht nur weite Teile der Populärkultur, sondern üben auch große Faszination auf intellektuelle und künstlerische Diskurse aus.

Die Figuren des Gespensts und des Gespenstischen geistern durch Politik, Ökonomie, Theorie, Film, Theater, Bildende Kunst und Populärkultur und gewinnen als Denkmodell und Wahrnehmungsdispositiv zur Auseinandersetzung mit offenen Fragen zur Gegenwart zunehmend an Bedeutung.
Mit der Lehre der Hantologie (von frz. hanter: heimsuchen), der Logik der Heimsuchung, die Jaques Derrida in seinem Werk Marx’ Gespenster (dt. 1996, 2004) entwickelt, setzt der französische Philosoph einen bedeutenden Impuls für die kultur- und sozialwissenschaftliche Theoriebildung. Derrida beschreibt das Gespenst als das „Anwesende ohne Anwesenheit“ (Derrida, 2004, S. 20). Das Gespenstige ist „niemals als solches präsent“ (ders. S. 10) und öffnet demnach einen spektralen Grenz– und Zwischenraum zwischen Präsenz und Absenz, Sein und Nicht-Sein, Leben und Tod.

Das Gespenstische operiert in der Sphäre des Unverfügbaren, es entzieht sich dem aktiven Zugriff des Willens und verweist auf den Tod, der radikalsten Form der Unverfügbarkeit. Das Gespenstische birgt hohes subversives Potential, da es sich der Politik der Sichtbarkeit widersetzt und die Linearität der Zeit ebenso suspendiert, wie die Homogenität des Raumes. Gespenster erscheinen im Spannungsfeld zwischen Spaltung und Doppelung, Materialität und Immaterialität, Erscheinen und Verschwinden. Das Gespenstische ist nicht notwendigerweise an die Affekt-Ökonomie des Unheimlichen oder des Schreckens gebunden, sondern es durchwirkt auch die Bereiche von Trauer und Melancholie, Erbe und Zukunft, Utopie und Tod. Es besetzt Körper, Orte und Objekte, ohne mit ihnen, noch mit sich selbst identisch zu sein. Es zeigt sich, um gleichsam verborgen zu bleiben.

Das Symposium untersucht das Gespenstische als Denk- und Erfahrungsmodell zur Auseinandersetzung mit offenen Fragen zu Politik und Ökonomie, Körperlichkeit und Medialität, sowie als Darstellungsdispositiv in der Ästhetik, in Theater, Film, Literatur und Bildender Kunst. Die Tagung geht von der These aus, dass die Figuren des Gespenst und des Gespenstischen im Kontext kritischer Theoriediskurse, als epistemologisches und methodisches Korrektiv fungiert, das insbesondere im Kontext von Krisenherden auftaucht, nämlich dann, wenn die soziokulturelle, politische und ökonomische Realität nicht mehr nach konventionellen Definitionen, Kategorien und Bezugssysteme erfasst werden kann. Die Einladung, ein Abstract einzueichen, erfolgt an WissenschaftlerInnen aus verschiedenen Disziplinen, den kulturwissenschaftlichen Fächern wie auch aus Sozial- und Politikwissenschaft. Das Symposium versteht sich als Plattform zum interdisziplinären Austausch über die Politiken, Darstellungsformen, Medien und Wahrnehmungsmodalitäten des Gespenstischen.

Die Auseinandersetzung mit dem Gespenstischen orientiert sich an folgenden Schwerpunkten (ist jedoch keineswegs darauf festgelegt):
- Gespenster und Politik
- Gespenster und Ökonomie
- Gespenster und Körperlichkeit
- Gespenster und Medialität
- Gespenster und Ästhetik (Theater, Medienkunst, Film)
- Gespenster und Populärkultur

Was kann es bedeuten, dem in der Überschrift zitierten Plädoyer Jacques Derridas zu folgen und mit den Gespenstern zu leben? Welches politische, ethische und ästhetische Potential birgt dieser umgangslose Umgang mit Gespenstern? Was charakterisiert die Darstellungs- und Wahrnehmungsmodalitäten des Gespenstischen? Worin liegt seine Funktion und Bedeutung für die Künste?
Kann das Gespenst stets als subversive Kraft beschrieben werden, das auftaucht, um die bestehende Ordnung in Frage zu stellen oder eignet sich diese Metapher auch zur Analyse von Machtdynamiken, deren Wirkung sich unsichtbar, unabhängig von einzelnen Akteuren und bewusst gesetzten Handlungen, an Körpern und Orten entfaltet? Diese und andere Fragen werden Leitfäden der Auseinandersetzung sein.

Das Symposium findet im Künstlerhaus Mousonturm statt, begleitend werden auch Theater- und Performancearbeiten gezeigt werden, so dass auch jener Ort thematisiert wird, der spätestens seit der griechischen Antike als Schauplatz des Gespenstischen und somit als Ort zur Entfaltung einer Politik des Gedächtnisses fungiert: das Theater.

TO DO AS IF - Realitäten der Illusion im zeitgenössischen Theater


Gießen, 6. und 7. Juli 2012,
Margarete-Bieber-Saal und Probebühnen des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft


Konzeption: Dr. André Eiermann (JLU-Junior Science and Teaching Unit am Institut für Angewandte Theaterwissenschaft)
Mitarbeit: Anna Schewelew


Wenn in Bezug auf Theater von Illusion die Rede ist, denkt man in der Regel nicht ans zeitgenössische Theater. Schließlich ist gegen das, was gemeinhin unter 'Illusionstheater' verstanden wird, seit den Experimenten der historischen Avantgarden, Bertolt Brechts anti-illusionistischen Forderungen und Maßnahmen sowie den transgressiven 'Einbrüchen des Realen' der Performance Art einiges unternommen worden.

Unter dem Eindruck dieser Entwicklung konzentrierte sich der theaterwissenschaftliche Diskurs des ausgehenden 20. und beginnenden 21. Jahrhunderts hinsichtlich einer Beschreibung der Paradigmen des zeitgenössischen Theaters vorwiegend auf die Betonung der ästhetischen Eigenqualität des Vollzugs theatralen Handelns. Die Beschäftigung mit Phänomenen des Als-ob geriet in diesem Zusammenhang zwar nicht gänzlich aus dem Blick, trat aber durchaus in den Hintergrund theaterwissenschaftlicher Forschung. Erst in jüngster Zeit nimmt eine solche Beschäftigung wieder zu – bzw. der theaterwissenschaftliche Diskurs wieder öfter davon Notiz, dass im zeitgenössischen Theater auch unabhängig von der Darstellung in sich geschlossener fiktiver Realitäten und gerade im Sinne einer Auseinandersetzung mit der Realität der Aufführungssituation durchaus und in nicht geringem Maße mit Formen des Als-ob gespielt wird.

Allerdings ist dabei die in anti-illusionistischer Tradition stehende Prämisse, dass dieses Spiel dadurch gekennzeichnet sei, sich stets auch als solches mitzuzeigen, bislang weitgehend unhinterfragt geblieben. D. h. als Grundlage der Beschreibung hat sich bisher (von wenigen Ausnahmen abgesehen) die Annahme halten können, dass das Als-ob im zeitgenössischen Theater zwar eine wichtige Rolle spielt, mit Illusion jedoch nichts zu tun hat.

Gerade mit Blick auf die jüngsten Entwicklungen der szenischen Kunst ist nun aber zu bemerken, dass sich unter den verschiedenen zeitgenössischen Spielformen des Als-ob nicht wenige finden, die keineswegs auf eine permanente Offensichtlichkeit verpflichtet sind und durchaus als illusionserzeugend beschrieben werden können: Vorproduzierte Video-Aufzeichnungen werden als Live-Wiedergaben des Bühnengeschehens ausgegeben, Performer bewegen ihre Lippen zu Playback-Stimmen, Körperteile scheinen sich zu verselbständigen, oder Nachbildungen von Gegenständen wirken täuschend echt – kurz gesagt: Illusion ist im zeitgenössischen Theater Realität.

Mit dem Ziel, den Konsequenzen nachzugehen, die sich daraus für die Beschreibung des zeitgenössischen Theaters und der in seinem Zusammenhang möglichen ästhetischen Erfahrungen ergeben, versammelt die Tagung theaterwissenschaftliche und künstlerische Positionen, die sich in Vorträgen und Performances mit den Spielformen des Als-ob und den damit verbundenen Realitäten der Illusion im zeitgenössischen Theater auseinandersetzen.


Beteiligte:

Sebastian Blasius
Martin Doll
Yan Duyvendak
André Eiermann
Bernhard Greif und Ferdinand Klüsener
Ulrike Haß
Hofmann & Lindholm
Bojana Kunst (featuring Ivana Müller)
Stephanie Metzger
Nikolaus Müller-Schöll
Boris Nikitin
Gerald Siegmund
Benjamin Wihstutz


Programm:

Freitag, 06.07.2012

Margarete-Bieber-Saal
12:00 Begrüßung
12:30 André Eiermann: TO DO AS IF – Realitäten der Illusion im zeitgenössischen Theater
13:30 Ulrike Haß: While we were holding it together: Das Reale einer Illusion
14:30 Gerald Siegmund: Lachen und die Illusion des Symbolischen
15:30 Kaffeepause
16:00 Hofmann & Lindholm: Erstellen Sie die Strichfassung einer Komödie von Rudi Strahl unter der Prämisse, dass es die DDR nie gegeben hat
17:00 Benjamin Wihstutz: Die Illusion des Mitmach-Theaters
18:00 Bojana Kunst featuring Ivana Müller: Finally Together on Time (Performance-Lecture)
18:30 Pause
Probebühne II
20:00 Yan Duyvendak: Self Service (Performance)
Probebühne I
21:00 Bernhard Greif und Ferdinand Klüsener: Hymnen an die Nacht (Performance)

Samstag, 07.07.2012

Margarete-Bieber-Saal
10:00 Diskussion von Finally Together on Time, Self Service und Hymnen an die Nacht
11:00 Stephanie Metzger: An der Schnittstelle von Realem und Imaginärem. Hyperrealistische Darstellung in Inszenierungen der Gegenwart
12:00 Sebastian Blasius: Den Idioten sehen, der glaubt
13:00 Pause
14:00 Martin Doll: „Die Echtheit des Echten“. Von der theatralen Authentizität in Anführungszeichen
15:00 Boris Nikitin: Wie man Freunde gewinnt und Leute beeinflusst
16:00 Nikolaus Müller-Schöll: „Mitte“ (ohne Anfang und Ende). Über „von Spannungen gesättigte Konstellationen“ in Bildern Jeff Walls
17:00 Abschlussdiskussion
18.00 Ende der Tagung


Die Tagung wird gefördert durch die Fritz Thyssen Stiftung für Wissenschaftsförderung, das Kulturamt der Stadt Gießen, die Hessische Theaterakademie (HTA), das Institut für Angewandte Theaterwissenschaft der Justus-Liebig-Universität Gießen, das Postdoktorandenprogramm just'us der Justus-Liebig-Universität Gießen sowie das Zentrum für Medien und Interaktivität (ZMI) der Justus-Liebig-Universität Gießen.
Die Präsentation der Performance Self Service wird zudem durch die Stiftung Pro Helvetia unterstützt.

Communications: Dance, Politics, and Co-Immunity


Internationales Symposium (11. bis 14. November 2010)

organisiert vom M.A.-Studiengang "Choreographie und Performance"
am Institut für Angewandte Theaterwisenschaft, Justus-Liebig Universität, Gießen
(Prof. Dr. Gerald Siegmund)

KONZEPT
Homepage der Tagung

Das internationale Symposion "Communications" widmet sich der Frage, inwiefern Tanz, sowohl in seiner Geschichte, als auch in seinen zeitgenössischen Ausprägungen, eng mit Konzepten des Politischen verknüpft ist. Während in diesem Kontext Politik die Reproduktion von hegemonialen Machtverhältnissen innerhalb von bereits instituierten Strukturen ist, verweist das Politische dage-
gen auf jene Praktiken, die den Raum der Politik selbst in Frage stellen, indem sie etwas in ihn einzuschreiben vermögen, was zuvor keinen Ort hatte. Deshalb ist das Politische per definitionem eng verknüpft mit der Idee von Choreographie im wörtlichen Sinne. Denn die Praxis des Choreographierens besteht wesentlich darin, Körper und ihre Beziehungen in einem Raum zu verteilen. Sie ist eine Aufteilung von Teilen, die im Feld des Sichtbaren und Sagbaren den Körpern Positionen zuweist. Aber in einer Konfrontation der Körper und ihrer Beziehungen kann auch eine Neuanordnung der Positionen stattfinden. In dieser ununterbrochenen Aufteilung und Neuanordnung des Sinnlichen (Jacques Rancière), die den Körper gliedert, zerteilt und mit der symbolischen Ordnung einer Gesellschaft verbindet, liegt das kritische Potential der Tanzkunst, das Interventionen in hegemoniale Diskurse und herrschende Aufteilungen erlaubt. Im öffentlichen Raum des Theaters, dessen Charakteristikum die Teilung zwischen Bühne und Zuschauerraum ist, vermag der Tanz also nicht nur die Körper aufzuteilen, sondern auch das zu teilen und verteilen, was eigentlich unteilbar ist: Das Miteinander der Körper ebenso wie ihrer Wörter und der Dinge, die sie hervorbringen.

Der Begriff der Politik erlebt im philosophischen Diskurs der letzten Jahre eine Renaissance. Einerseits wurde das Verschwinden der Politik konstatiert (Alain Badiou), andererseits ihre Wiederkehr und Integration in die Soziabilität proklamiert (Nicolas Bourriaud). Und dazwischen gab es Stimmen, die wiederum der politischen Philosophie selbst vorwarfen, an der Zementierung von Zuständen der immer reineren Verwaltung teilzunehmen (Colin Crouch, Chantal Mouffe, Jacques Rancière). Im Zuge dieser Diskussion wird die Frage nach dem, was unter Demokratie zu verstehen sei, immer virulenter: Die jüngsten Ereignisse im Bereich der Wirtschafts- und Weltpolitik legen nahe, dass die Entwicklung, die Michel Foucault in seinen Vorlesungen von 1977 bis 1979 als Gouvernementalisierung des gesellschaftlichen Zusammenhangs bezeichnete, weiter fortschreitet. Während die Bürger vieler Staaten der einen Welt nun ungefragt zu gemeinsamen Trägern von unabschätzbaren Risiken und freien „Steuerunternehmern“ geworden sind, werden die Grenzen zu anderen Welten immer rigider geschützt. Dies zeigt sich sowohl in Gestalt überquellender Flüchtlingslager vor der italienischen Küste als auch an sich mehr und mehr in Hochsicherheitstrakte verwandelnden Flughäfen, in denen Körper massenweise - bis in ihre Mikrostrukturen hinein - von technischen Apparaten untersucht und verbucht werden. Solche Abschottungen verhindern, bei gleichzeitig freiwilliger Deterritorialisierung der einen, für einen anderen, sehr viel größeren Teil der Weltbevölkerung, das Eindringen in einen Raum, dessen Eigenschaften verstärkt in Qualitäten wie Beschleunigung, Vermehrung der Verkehrswege und Informatisierung auszumachen sind. Dabei verquicken sich neoliberale Machtdispositive mit Techniken der Sicherheit und Einzäunung von Räumen, Diskursen und Körpern, um deren allumfassende Gesundheit sich eher gesorgt wird als um mögliche gemeinsame Lebensformen.

Mit der Renaissance des Politischen einher geht die Wiederbelebung eines lange Zeit diskreditierten Begriffs: Der der Gemeinschaft. Ist Gemeinschaft, gerade in der deutschen Tradition seit Ferdinand Tönnies, oft der Gesellschaft in romantischer Weise entgegengesetzt worden, so erscheint sie heute - u.a. in den Schriften von Jean-Luc Nancy und Roberto Esposito - als möglicher Ort, nicht des einfachen Widerstands gegen den Lauf der Dinge, sondern als deren ständig neue Verhandlung und Aufs-Spiel-Setzung im Streitgespräch zwischen Gleichen. Obwohl also die gegenwärtigen Umwälzungen überall auf der Welt zunehmend asymmetrische Verhältnisse zwischen den Menschen etablieren, ist es gerade das Postulat der Gemeinschaft der Gleichen, welches sie unterwandern kann.

Vor dem hier skizzierten Hintergrund stellt sich für die Tanzkunst die Frage, wie mit dem tanzenden Körper im öffentlichen (Bühnen-)Raum Politik gemacht wird und wurde und wann er politisch war und ist. Das Symposion fragt nach theoretischen Modellen, historischen Konstellationen, zeitgenössischen Experimenten und praktischen Auswirkungen, die das Verhältnis von Tanz und Politik beleuchten. Wie sieht die Gliederung und Zerteilung des Körpers oder der Körper in bestimmten Tanzformen - wie etwa dem Hofballett des 17. Jahrhunderts, dem romantischen Ballett des 19. Jahrhunderts und dem Ausdruckstanz der Weimarer Republik - aus? Welche der historischen Aufbrüche des Tanzes waren eng verbunden mit politischen Kontexten, die ihn als kritisches Moment herausforderten, unterbanden oder sich sogar mit ihm verbündeten, um die Anordnung der Körper im gesellschaftlichen Raum auf der Bühne des Theaters anders darzustellen und neu zu verhandeln? Wie gestaltet sich eine kritische Auseinandersetzung mit dem Körper in Zeiten seiner (repräsentativen und genetischen) Reproduzierbarkeit und der massenmedialen Vervielfältigung seiner Bilder? Wie ist deshalb das Verhältnis von Körpern und Texten neu zu definieren? Gibt es tänzerische und choreographische Praktiken, die spektakuläre Strukturen zu unterlaufen vermögen? Wie denken die Künstler selbst über ihre ästhetische Praxis nach, und welchen Einfluss hat dies auf die Wahl ihrer Mittel? Welche Auswirkungen hat ein solches Denken auf die institutionellen Arbeitsweisen und die Praktiken der Künstler?

Im Rahmen von „Mitteilungen“ sollen sich die Referenten aus tanz- und theaterwisenschaftlicher, historischer, philosophischer und soziologischer Sicht dem Zusammenhang zwischen Politik, Gemeinschaft, Tanz und Globalisierung annehmen. Ein Schwerpunkt soll dabei auf der Erörterung der jüngeren Tendenzen im zeitgenössischen Tanz und dessen Hervorbringung von neuen Räumen der Kollaboration und des Austauschs liegen. Gegenwärtige Strömungen sollen in ihren unterschiedlichen Facetten zu historischen Kontexten in Bezug gesetzt und der Frage nachgegangen werden, was am Tanz nicht nur politisch sein kann, sondern auch zur Umformulierung dessen beiträgt, was von ...konomen Verweltlichung der Welt genannt wird. Parallel dazu ist es Ziel der Veranstaltung, nach praktischen Antworten zu suchen, also Arbeiten ausgewählter Tanzschaffender, die sich explizit mit eben jenen Themen befassen, in das Programm des Symposions einzufügen.

Neben bereits etablierten Künstlern wie Xavier le Roy und Mette Ingvartsen soll es auch darum gehen, einer jüngeren Generation das Wort zu geben. Aus diesem Grund sollen Produktionen anderer Städte bzw. Ausbildungsinstitutionen, deren Programme während der letzten Jahre von Tanzplan Deutschland finanziert wurden, eingeladen werden, um auszuloten, in welcher Relation sich auch jüngere Tanzschaffende zu verschiedenen politischen Entwicklungen begeben und sie in ihre Arbeiten einfliessen lassen. Der Titel paraphrasiert dabei nicht ohne Zweck einen Text von Roberto Esposito, der in seiner Trilogie Communitas-Immunitas-Bios den Versuch unternimmt, die Reziprozität zwischen ...ffnung und Selbstabschottung – von gesellschaftlichen Systemen ebenso wie von Körpern – produktiv zu denken und entlang dieser beiden Parameter das Politische nicht neu zu erfinden, wohl aber neu zu denken, nämlich als Moment der Durchdringung von Gemeinschaft und Immunität, in jenem Zwischenbereich, in dem sich das Leben eine Form gibt, um allen Körpern ihr Überleben zu schenken.

Die Veranstaltung "Communications: Dance, Politics, and Co-Immunity" wird ermöglicht mit freundlicher Unterstützung durch Tanzplan Deutschland/Eine Initiative der Kulturstiftung des Bundes und die Deutsche Forschungsgemeinschaft (DFG). Sie wird unterstützt im Rahmen der Hessischen Theaterakademie (HTA) und ist eine Kooperation mit dem International Graduate Centre for the Study of Culture (GCSC).

Medien der Auferstehung


Gießen, 12.-14.11. 2009
Margarete-Bieber-Saal | Ludwigstraße 34 | 35390 Gießen

Inwiefern wurde die Medienkultur Europas seit der Renaissance vom Denken der Auferstehung geprägt - und inwiefern prägen die verschiedenen Dogmatiken und Aporien der Auferstehung auch heute noch die Medienpraxis?

Mit diesen Fragen befasste sich die internationale Tagung „Medien der Auferstehung“, die vom 12. bis zum 14. November in Gießen stattfand, ausgerichtet vom ZMI, dem Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, dem Institut für Germanistik und der Hessischen Film- und Medienakademie. Eingeladen von Prof. Helga Finter und Prof. Uwe Wirth, referierten und diskutierten dreizehn Theater-, Literatur-, Medien-, Religions- und Kunstwissenschaftler an drei Tagen über Begriff und Praxis der Auferstehung. Geschätzte neunzig, zum Teil internationale Gäste konnten dabei nicht nur die anregenden Vorträge der Referenten verfolgen, sondern auch der zentralen Frage nach der Realpräsenz „leibhaftig“ anhand einer Reihe beeindruckender christlicher Reliquien nachgehen, die freundlicherweise von Louis Peters, Reliquiensammler aus Köln, zur Verfügung gestellt wurden. Mit seinem Vortrag wurde die empirische Praxis der Realpräsenz als Reliquienverehrung zur fruchtbaren Diskussionsgrundlage.

Eröffnet wurde die Tagung am Donnerstag von Prof. Uwe Wirth. Als erster Gastredner befasste sich Dr. Daniel Weidner (Berlin) mit der konkreten narrativen Inszenierung der Auferstehung in der Bibel. Im Anschluss an Dr. Kai Bremer (Gießen), dessen Vortrag sich der Entwicklung des Osterspiels widmete, untersuchte Prof. Joseph Imorde (Siegen) anhand überraschender historischer Beispiele das Verhältnis von Präsenz und Repräsentation in der Eucharistie.

Den zweiten Konferenztag eröffnet Prof. Helga Finter, deren Vortrag, ausgehend vom Titelbild der Tagung, einer Theatermaschine zur Konstruktion des Paradieses, das italienische Renaissancetheater auf sein Verhältnis zur Auferstehung befragte. Auf Prof. Helmut Krassers Auseinandersetzung mit der Figur des Orpheus und Petra-Bolte Pickers fundierte Analyse der experimentellen Praxis der Stimmforschung im 19. Jahrhundert folgte Prof. Gerald Siegmunds Vortrag über das Tanztheater William Forsythes und seine Methoden der künstlerischen Reflexion des Auferstehungskomplexes. Prof. Bettine Menke (Erfurt) beendete den Konferenztag mit einer erhellenden Lektüre von Walter Benjamins Trauerspielbuch im Hinblick auf den Allegoriebegriff. Am Abend gewährte Prof. Heiner Goebbels einen Einblick in seine Arbeit ("Stifters Dinge").

Am Samstag wurde die Konferenz schließlich mit zwei detaillierten Analysen medialer Auferstehungsfragen beschlossen, zunächst mit Dr. Ulrike Hansteins (Erfurt/Weimar) Vortrag zum transfigurativen Filmende von Rossellinis „Stromboli. Terra di Dio“. Dr. Jörn Etzold beschrieb anschließend, anhand von Ausschnitten aus zeitgenössischen US-amerikanischen Fernsehserien, das Fernsehen als das protestantische Medium schlechthin, als den großen Bestatter, der die Toten nur als Geister wiederbeleben kann und in dessen Keller noch immer die katholische Imagination arbeitet. Besonders die an jeden Vortrag anschließenden Diskussionen unter reger Beteiligung des Publikums zeigten, dass über den Begriff der „Auferstehung“ weiter nachgedacht werden muss. Auferstehung als Wiederholung, von Prof. Karin Wenz (Maastricht) in ihrem Vortrag im Bezug auf das Medium Computerspiel als „replay“ betitelt, muss abgegrenzt werden von der Einmaligkeit der christlichen Auferstehung. Gerade die wiederholte Diskussion theologischer Fragen erwies sich dabei für die Tagung als fruchtbar und lässt auf eine Erweiterung und Fortsetzung dieses interdisziplinären Diskurses hoffen.

Eingerahmt wurde die Tagung von drei ausgewählten künstlerischen Arbeiten von Studenten der Angewandten Theaterwissenschaft. So brachte die Diplominszenierung Appropriation. Parasiten. Krapp's Last Tape. (AT) von Sebastian Blasius das Problem der akusmatischen Stimmen künstlerisch auf den Punkt. Die Installation Projektion 1675 / Leibnizmonument, die von Tobias Rosenberger in einem Nebenraum des Margarethe-Bieber-Saals eingerichtet wurde, bereicherte die Konferenz um eine tatsächliche „Theatermaschine“. Als late night special wurde schließlich das von Boris Nikitin und Malte Scholz produzierte Hörspiel „Woyzeck“ präsentiert, das auf scharfsinnige und unterhaltsame Art und Weise die entscheidende Frage stellte: Wer spricht da?


Die Tagung „Medien der Auferstehung“ wurde veranstaltet vom Zentrum für Medien und Interaktivität der Justus-Liebig-Universität Gießen, dem Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, dem Institut für Germanistik sowie der hessischen Film- und Medienakademie.

Konzeption: Prof. Dr. Helga Finter, Prof. Dr. Uwe Wirth, Petra Bolte-Picker, Dr. Kai Bremer, Dr. Jörn Etzold.

Heiner Müller Sprechen


Die Publikation zum Symposium "Heiner Müller sprechen" ist erschienen in der Reihe "Recherchen" der Zeitschrift Theater der Zeit.

Heiner Müller sprechen
Künstlerisches und wissenschaftliches Symposium
Performances, Präsentationen, Workshops - Gießen, 26.-29. Juni 2008

Institut für Angewandte Theaterwissenschaft der Justus-Liebig-Universität Gießen in Kooperation mit der Internationalen Heiner Müller-Gesellschaft, der Université de Paris X, Nanterre und der Hessischen Theaterakademie, Frankfurt/M.

Wie spricht man Heiner Müllers Texte? Wie soll man mit ihrer Vielstimmigkeit wie auch ihrer provokativen Unspielbarkeit umgehen? Wie bleibt man im Sprechen (und in allem, was mit diesem Sprechen weiter verbunden ist – Zeit, Raum, szenische Einrichtung, also eine wie immer geartete Inszenierung) Müllers Radikalität treu – einer Radikalität, die sich nicht zuletzt darin äußert, daß Müller niemals für das Theater produziert hat, ohne zugleich das Theater aufzukündigen, also die Idee einer zeitlosen, ortlosen, ahistorischen Institution, die nicht weiter zu befragen sei?
Ausgehend von diesen zunächst vielleicht banal oder doch zumindest eher schlicht klingenden Fragen möchten wir dazu einladen, drei Tage lang im Kontext heutiger künstlerischer Arbeit und ihrer Reflexion in der Theorie neu über die Eigenart von Heiner Müllers Texten, ihre Sprache und ihre Inhalte nachzudenken. Vorgesehen sind Beiträge von Experten zu Müllers Werk, von Theater-, Literatur- und Musikwissenschaftlern, Philosophen und Künstlern, außerdem Erfahrungsberichte, Workshops, öffentliche Diskussionen, ein Schau- und Hörraum, praktische Versuche auf unterschiedlichsten Szenen und in unterschiedlichster Form (Installationen, Performances, Hörstücke, Inszenierungen), Gastspiele sowie künstlerische Präsentationen. Ziel sollte es sein, neue Ansätze des Umgangs mit Müller zu reflektieren und darüber vermittelt die Fragen, die seine Arbeit weiter stellt, neu zu diskutieren.
Die Veranstaltung knüpft an vergangene Aktivitäten der Internationalen Heiner Müller-Gesellschaft an, speziell an die internationalen wissenschaftlichen und künstlerischen Symposien in Paris (2000), Bochum (2001) Frankfurt und Leipzig (2004). Die Internationale Heiner Müller-Gesellschaft plant, die Reihe in Zukunft unter jährlich wechselnden Kuratoren in Zusammenarbeit mit verschiedenen Universitäts-Instituten fortzusetzen.

Beiträge zum Thema könnten in unterschiedliche Richtungen gehen, die wir den eingeladenen Künstlern und Wissenschaftlern folgendermaßen skizziert haben:

1. Vom Text zur Bühne Wie lassen sich Texte im Theater machen, die das Theater, wie es ist, nicht lediglich bedienen wollen, sondern es zugleich nach Maßgabe des Möglichen zu verändern trachten? Welchen Raum und welche Zeit brauchen diese Texte? Müller bezweifelte, daß seine Texte für ein Stadttheater gegenwärtigen Zuschnitts machbar sind und verwies dabei auf dessen institutionelle Verpflichtungen und Verflechtungen, dessen Orientierung am Publikumsinteresse und an Zuschauerzahlen sowie auf die Gewöhnung des Publikums an schnelle Konsumierbarkeit. Dagegen setzte er zum Beispiel einen am griechischen Theater orientierten Begriff des Theaters als Fest und einmaliges Ereignis. Immer wieder versuchten Arbeiten mit Müllers Texten diese Idee eines damit verbundenen anderen Theaters aufzugreifen. Inwiefern ließe sich daran heute – zumal angesichts einer Tendenz zur weiteren Ökonomisierung der Theater und zu ihrer Indienstnahme für Stadtmarketing und Standortpolitik – anknüpfen? 2. Erfahrungen mit Müllers Texten auf der Bühne Wie wurden unterschiedliche Inszenierungen von Müllers Texten dem mit diesen Texten gesetzten Anspruch gerecht, speziell demjenigen, den er mit Brecht auf die Formel bringt: „Theater theatert alles ein, also muß man ständig dem Theater etwas in den Rachen schieben, was das Theater nicht verdauen kann“. Lassen sich ausgehend von Müllers eigener theoretischer Reflexion des Theaters wie der Literatur und der Bildenden Kunst Inszenierungen mit Grund als besonders bemerkenswert hervorheben – zum Beispiel, weil sie, wie Müller sich ausdrückte, „Krebszellen einschießen oder jedenfalls in den Strukturen Bakterienkulturen anlegen“? Was sahen konkrete Lösungen aus und, aus Müllers Sicht wichtiger: welche Probleme wurden dabei entdeckt? Wie hat die Auseinandersetzung mit Müllers Art des Schreibens das Sprechtheater und experimentelle Theaterformen, die von Müller ausgehend entwickelt wurden, verändert? 3. Theorien und Praktiken der Stimme im Ausgang von Müller-Inszenierungen Wenn die Stimme, wie Müllers Theatertheorie nahelegt, nicht als bloß dienendes Element des Theaters zu begreifen ist - wie kann sie dann anders erscheinen? Wie läßt sich etwa, was in Müllers Insistenz auf dem gesprochenen Text als Musik und Klang angedeutet ist, ausgehend von Theorien der Stimme auf Begriffe bringen? Wie können einerseits szenische Praktiken, die auf ihre Weise die Stimmlichkeit der Stimme untersuchen, auf Begriffe gebracht werden? Wie können andererseits die Erkenntnisse einer solchen Erfahrung des Denkens mit der Stimme neuerlich im Theater aufs Spiel gesetzt werden? 4. Individuum, Nicht-Protagonist, asozialer Held und Chor Die Infragestellung des bürgerlichen Theatermodells nimmt in Müllers Stücken nicht zuletzt die Gestalt eines Sprechens an, das nicht dasjenige von Individuen bzw. eines bürgerlichen Subjekts ist. Es stellen sich von hier aus dem Theater pragmatische wie grundsätzliche Fragen: Wie kann ein Stück gespielt werden, in dem eine Unzahl von Spielern, zum Teil mit nur wenigen Sätzen, ja nur kurzen Einwürfen auftauchen und wieder verschwinden? (Lohndrücker?) Wie läßt sich mit den Chören in Müllers Stücken umgehen? (Horatier, Mauser, Hamletmaschine, Wolokolamsker Chaussee) Wie soll mit Texten verfahren werden, die zunehmend weniger sprechenden Figuren zugeordnet sind? (Verkommenes Ufer, Bildbeschreibung, Herakles 2, Hamletmaschine) Wie kann sich das heutige Theater allegorischen Figuren nähern, die nicht unbedingt mit menschlicher Stimme vorzustellen sind (Tiere, Engel, Fabelwesen in Glücksgott, Auftrag u.a.)? Wie kann das Sprechen derer vorgestellt werden, die sich vor allem dadurch auszeichnen, daß sie keine Stimme haben, keine Sprache, keinen Ausdruck - des “Proletariats” oder “Prekariats” (die Umsiedlerin, Traktor, u.a.)? Wie leiht man historischen Figuren – Marx, Hitler, Stalin... - eine Stimme, die die Differenz des Spielers zu ihnen nicht verbirgt? (Gundling, Germania Tod, Germania 3) 5. Müllers Texte in unterschiedlichen Übersetzungen Wo die Sprache von Texten nicht nur von ihrem Inhalt her begriffen und „verstanden“ wird, da stellt sich die Übersetzung als ein beständig mit ihrer eigenen Grenze konfrontierte Aufgabe dar: Soll der Text der Übersetzung den Inhalt der Vorlage wiedergeben oder vielmehr deren Rhythmus, ihre Gesten, ihren Duktus oder Stil? Soll Verssprache in neuerliche Verssprache, sollen Reime als solche übersetzt werden und wie ist im Zweifelsfall zwischen Bühnenwirksamkeit und Texttreue zu entscheiden, etc. - Müllers eigener Beobachtung zufolge sind die Texte etwa in der französischen Übersetzung rhetorischer: Der Text löst sich vom Sinn, entwickelt eine Eigendynamik, die - in klassischen Begriffen ausgedrückt - eher formaler als stofflicher Art ist. In anderen Sprachen tauchen Schwierigkeiten anderer Art auf: Unübersetzbare Worte, neuer Nebensinn und -unsinn. Ausgehend von Übersetzungstheorien, die an der Übersetzung eher deren Unmöglichkeit als deren pragmatische Machbarkeit in den Blick nehmen (Benjamin, Derrida), wäre nicht zuletzt danach zu fragen, was die Schwierigkeiten der Übersetzung über die Eigenart wie Fremdheit der „Originale“ verraten. 6. Versuche mit dem Sprechen Müllers zwischen Geräusch und Musik Müllers Texte wurden in besonderem Maß zum Ausgangspunkt von Umsetzungen, die sich nicht im traditionellen Sinne als ihre Inszenierung betrachteten – von Performances, Kompositionen, Installationen und Hörspielen. Wie wenige andere zeitgenössische Autoren hat Müller zeitgenössische Komponisten und Musiker inspiriert, fasziniert und zur künstlerischen Auseinandersetzung animiert. Welcher Art ist dabei die Übertragung von Texträumen in Klangräume? Was wird hier über die nicht oder anders sinntragenden Schichten der Sprache Müllers erfahrbar?


Ablauf der Veranstaltung


Donnerstag, 26. 6. 08

14:00 Uhr, Eröffnung (Margarete-Bieber-Saal)

Grußwort des Vizepräsidenten der JLU Gießen, Prof. Dr. Joybrato Mukherjee

Begrüßung und Vorstellung des Symposiumsprogramms durch Heiner Goebbels und Nikolaus Müller-Schöll

15 Uhr Öffentliche Lesung: Josef Bierbichler liest Heiner Müller (Magarete-Bieber-Saal)

Anschließend: Öffentliche Diskussion mit Josef Bierbichler über die Probleme und Möglichkeiten, Müller zu lesen und zu sprechen.

17.00 Uhr Eröffnungsvortrag (Margarete-Bieber-Saal)

Wolfgang Hagen (Berlin/Basel): „Wenn alles gesagt ist, werden die Stimmen süß.“ Über Heiner Müller und die Unstimmigkeit der Stimme.

18.30 -20.30 Uhr Buffet (Foyer im Hauptgebäude der Universität)

20.00 Uhr Eröffnung des Schau- und Hörraumes (Institut für Angewandte Theaterwissenschaft)

21.00 Uhr Performance (Probebühne des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft)

Studie 1 zu Heiner Müllers „Bildbeschreibung“ R: Laurent Chétouane. D: Frank James Willens


Freitag, 27. 6. 08

10 Uhr Künstlergespräch (Margarete-Bieber-Saal)

Mit Laurent Chétouane über seine Arbeit mit Müllers „Bildbeschreibung“.

11.00-13 Uhr Vorträge (Margarete-Bieber-Saal)

11.00 Uhr Anton Bierl (Basel): Die griechische Tragödie aus der Perspektive von Prä– und Postdramatik. Choralität, Performativität und rituell–ikonische Poetik in den Persern des Aischylos.

12.00 Uhr Rainer Nägele (New Haven/Paris) : Metrik, Rhythmus und Syntax bei Heiner Müller

13.00 Mittagspause

14.30 Uhr – 17.30 Uhr Parallele Workshops (1-3) (Hauptgebäude der Justus-Liebig-Universität)

19 Uhr-open end: Performances, Hörstücke, Inszenierungen von Studierenden der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen, kuratiert von Laurent Chétouane. (Institut für Angewandte Theaterwissenschaft)


Samstag 28. 6. 08

10 bis 12 Uhr Künstlergespräch (Margarete-Bieber-Saal)

Mit den Studierenden der ATW, die am Vorabend Arbeiten präsentiert haben.

12 Uhr Vortrag (Margarete-Bieber-Saal)

Krassimira Kruschkova (Wien): Heiner Müllers Choreographien „jenseits des Todes“ in Performance der Gegenwart

13.00 Mittagspause

14.30 Uhr bis 17.30 Uhr Parallele Workshops (1-3) (Hauptgebäude der Justus-Liebig-Universität)

18.30 Uhr – open end: Performances, Hörstücke, Inszenierungen von Studierenden der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen, kuratiert von Laurent Chétouane. (Institut für Angewandte Theaterwissenschaft)

23:00 – 24:00 Uhr Öffentliche Präsentation einer Radio-Aufzeichnung von „Quartett“ (Probebühne des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft)

Konzept: Jean Jourdheuil.


Sonntag 29. 6. 08

9 Uhr Wiederholung der „Quartett“-Präsentation vom Abend (Margarete-Bieber-Saal)

10 Uhr Vortrag mit anschließendem Künstlergespräch(Margarete-Bieber-Saal)

Jean Jourdheuil (Paris): Dramaturgie des Hörens -- Quartett und Cosi fan tutte.

Anschließend: Diskussion über die „Quartett“-Hörfassung.

11 Uhr Künstlergespräch (Margarete-Bieber-Saal)

Mit Studenten der ATW über die Präsentationen des Vorabends

12-14 Uhr: Subjektive Präsentation von Ergebnissen der 6 Workshops (Margarete-Bieber-Saal)

Durch die Moderatoren und/oder damit beauftragte Teilnehmer.

Anschließend: Plenumsdiskussion

Nachmittags und Abends: Performances, Hörstücke, Inszenierungen von Studierenden der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen, kuratiert von Laurent Chétouane. (Institut für Angewandte Theaterwissenschaft)


Dauerprogramm während der Veranstaltung:

- Schau- und Hörraum mit Ton- und Video-Dokumenten zum Sprechen Heiner Müllers und zu Arbeiten mit Heiner Müllers Texten auf Szene und im Radio.

- Installationen von Studierenden der Angewandten Theaterwissenschaft in Gießen (kuratiert von Laurent Chétouane)


Liste der Wortbeiträge


1. Vorträge

Anton Bierl (Basel): Die griechische Tragödie aus der Perspektive von Prä– und Postdramatik. Choralität, Performativität und rituell–ikonische Poetik in den Persern des Aischylos.

Krassimira Kruschkova (Wien): Heiner Müllers Choreographien „jenseits des Todes“ in Performance der Gegenwart

Rainer Nägele (Yale, New Haven / Paris): Müller, laut und leise

Wolfgang Hagen (Basel / Berlin): "Wenn alles gesagt ist, werden die Stimmen süß."

Über Heiner Müller und die Unstimmigkeit der Stimme.

Jean Jourdheuil (Paris): Dramaturgie des Hörens -- Quartett und Cosi fan tutte.


2. Zu ihren vorgestellten Arbeiten befragte Künstler

Josef Bierbichler

Laurent Chétouane

Jean Jourdheuil

Studierende der Angewandten Theaterwissenschaft an der JLU


3. Beiträge im Rahmen der Workshops

Petra Bolte-Picker (Gießen): Bewegung als Körperkorsett – Körpersprechen/Textsprechen in ROSAS/TG Stans Inszenierung von Heiner Müllers „Quartett“

Kai Bremer (Münster):„Vor dem Leib die Predigt.“ Dramatischer Text und performativer Widerspruch in Müllers Produktionsstücken

Jörn Etzold (Frankfurt): Arbeit / Sprechen. Überlegungen zu „Mauser“

Helga Finter (Straßburg): Mit den Ohren sprechen

Heiner Goebbels (Frankfurt/M.): Heiner Müller versprechen / Heiner Müller hören

Ulrike Haß (Bochum): Polyphones Sprechen in Dimiter Gotscheffs Inszenierung „Die Perser“

Tatsuki Hayashi (Tokyo): Sprache und Spalt - Müllers “Der Horatier” und Bio-Politik

Günther Heeg (Leipzig): der auftrag:fatzer. eine text-klang-raum-recherche. projekt mit studierenden der theater- und musikwissenschaft an der universität leipzig

Romain Jobez (Poitiers): Müllers prädramatisches Theater: Anatomie Titus Fall of Rome

Sebastian Kirsch (Berlin): Amtsschimmel und Sprechmaschine

Hans-Thies Lehmann (Frankfurt/M.): Tragisches Sprechen / Sprechen des Tragischen

Nikolaus Müller-Schöll (Bochum): Mitsprechende Erfahrung - Heiner Müllers Schauspieler(theorie)

Helmut Schäfer (Mülheim an der Ruhr): Verkommenes Ufer Faust

Christian Schulte (Berlin): „Die Befreiung des Ausdrucks vom Zwang des Sinns“ - Befragung einer dialogischen Form

Christine Standfest (Wien): "Sei Perser!" Ergreifendes Sprechen in drei Inszenierungen von "Die Perser" von Aischylos in der Bearbeitung von Heiner Müller mit einer Sprechpartitur von Claudia Bosse.

Helene Varopoulou (Athen / Berlin): Müller übersetzen



Die Veranstaltung wird gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes, die Hessische Theaterakademie (HTA), das Kulturamt der Stadt Gießen sowie durch das Zentrum für Medien und Interaktivität (ZMI), den Asta und das Präsidium der Justus Liebig-Universität, Gießen.

Das Reale und die (neuen) Bilder


Das Reale und die (neuen) Bilder. Repräsentationen des Anderen oder Terror der Bilder?

Ein Internationales Kolloquium an der Justus-Liebig-Universität Giessen vom 11.-12. November 2005.

Das Kolloqiuum ist eine Kooperation des Zentrums für Medien und Interaktivität, Giessen und des Instituts für Angewandte Theaterwissenschaft, Giessen im Rahmen der Forschungsreihe "Inszenierungen in den Neuen Medien". Es wird veranstaltet von Prof. Helga Finter und Prof. Heiner Goebbels und führt Forscher verschiedener Disziplinen mit dem Ziel zusammen, die Frage der theoretischen und ästhetischen Grundlagen der neuen Bilder und ihres Bezugs zum Realen in einem, nach dem 11. September 2001 radikal veränderten gesellschaftlichen Kontext zu diskutieren. Denn heute, nach dem 11. September, ist das Problemfeld der Darstellung und ihren Grenzen sowie der Repräsentation des Anderen nicht nur auf die Frage der gesellschaftlichen Funktion von Bildern angesichts des Einbruchs des Realen erweitert. Auch deren ästhetische, politische und religiöse Legitimation in einer postmodernen Gesellschaft des Spektakels (Guy Debord) steht zur Debatte.

Die Referentinnen und Referenten aus Kunst-, Medien-, Kultur-, Theater- und Tanzwissenschaft, die sich mit dem Problem des Verhältnisses von Realem und medialen Bild, Körper und Medium, Inszenierung und Repräsentation in ihren Publikationen auseinandergesetzt haben, werden den Komplex an Fragen, der sich mit der Veränderung des soziopolitischen Kontextes einer globalisierten Medialisierung des Realen stellt, sondieren. Die Grenzen der Darstellung werden in diesem Zusammenhang auch im Hinblick auf die psychische Ökonomie des rezipierenden Subjekts anhand von Beispielen aus dem aktuellen wie auch dem historischen Kontext, der sich bislang bewährter ikonographischer, ästhetischer und ritueller Strategien bedient, in folgenden Sektionen diskutiert werden:

  • I Theoretische und mediale Voraussetzungen des Verhältnisses von Realem und Darstellung
  • II Bedingungen und Grenzen der Darstellbarkeit des Realen
  • III Historischer und aktueller ikonographischer wie ritueller Umgang mit dem Realen (I. Kunstgeschichte, II. Ästhetische Strategien Theater/Tanz)

Referenten

  • Marcel Baumgartner, Justus-Liebig-Universität Giessen
  • Hans Belting, IFK Wien
  • Petra Bolte-Picker, Justus-Liebig-Universität Giessen
  • Georges Didi-Huberman, École des Hautes Études, Paris
  • Helga Finter, Justus-Liebig-Universität Giessen
  • Jochen Hörisch, Universität Mannheim
  • Gerald Siegmund, Universität Bern
  • G. C. Tholen, Universität Basel
  • Silke Tammen, Justus-Liebig-Universität Giessen

Der Kongress wird gefördert von: Hochschulgesellschaft der Justus Liebig Universität, Giessen


Dokumentation

Finter, Helga (Hrsg.)
Das Reale und die (neuen) Bilder
Denken oder Terror der Bilder

Reihe: Theaomai - Studien zu den performativen Künsten Band 2
Frankfurt am Main u.a.: Peter Lang, 2008. 176 S., 5 Abb., 19 Tab.
ISBN 978-3-631-57782-0 br.
39.00 €

Das Reale und die (neuen) Bilder versucht Fragen zu beantworten, welche die von 9/11 bewirkte «Bildstörung» eines bildschaffenden Ikonoklasmus nahelegt: Sind seitdem ein Denken oder ein Gedächtnis der Bilder noch möglich? Und wenn ja, unter welchen Bedingungen? Sind Medienbilder per se unkritisch? An welche Denkstrukturen appelliert Ikonophobie und ihr Pendant, die Ikonophilie? Welcher psychischen Ökonomie gehorchen sie? Beiträge von Theater- und Medienwissenschaftlern, von Kunsthistorikern und Philosophen wie M. Baumgartner, H. Belting, P. Bolte-Picker, G. Didi-Hubermann, H. Finter, J. Hörisch, M.-J. Mondzain, G. Siegmund und S. Tammen untersuchen in verschiedensten medialen, künstlerischen und politischen Bildpraktiken nicht nur den Terror durch Bilder, sondern vor allem auch Möglichkeiten eines Bilddenkens, das diesem die Stirn bietet.

Aus dem Inhalt: Helga Finter: Vorwort - Helga Finter: Ikonophobie, Ikonophilie. Repräsentationen des Anderen oder Terror der Bilder - Marie-José Mondzain: Die Furcht vor den Bildern - Georges Didi-Huberman: Dauer konstruieren - Hans Belting: Die Gewalt der Bilder und das Reale - Jochen Hörisch: Im Bilde sein. Medien des Terrors und der Terrorbekämpfung - Petra Bolte-Picker: Bush und Katrina. Analyse von medialen Inszenierungen des Realen - Silke Tammen: Die «wollige Unschärfe» der Erinnerung. Via Lewandowskys Roter Teppich im Berliner Bundesministerium der Verteidigung - Marcel Baumgartner: Goya nach Chapman (und nach Picasso) - Gerald Siegmund: Passivität, Posen und Perversion. Das Reale und die Körperbilder.

FluchtPunktKunst


Fluchtpunkt Kunst - Fallbeispiel Frankfurt am Main (2004)

Kooperationspartner von »Flucht Punkt Kunst« sind das Institut für Angewandte Theaterwissenschaft, Gießen, die Architectural Association London, das Schauspiel Frankfurt, das Museum für Moderne Kunst Frankfurt am Main, der Frankfurter Kunstverein und die Städelschule Frankfurt.

gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes


Eine Recherche

Wie kann sich Kunst im Kontext verändernder Metropolen definieren? Verändert sie ihre Haltungen, ihre Formen, ihre Inhalte, ihre Orte, wenn sie auf eine nomadische Gesellschaft reagiert? Fragen zu stellen, ohne gleich Antworten zu erwarten, eine Irritation, eine Beobachtung zu formulieren, ohne Gegenkonzepte anbieten zu können, dies war der Ausgangspunkt der Workshops von Flucht Punkt Kunst. An fünf Wochenenden lud schauspielfrankfurt Wissenschaftler und Künstler ein, um sich über die Disziplinen hinweg ein Bild von Kunst und Gesellschaft im Zeitalter der Globalisierung zu machen.

Frankfurt am Main diente für diese Überlegungen als Fallbeispiel einer Finanzmetropole, die sich durch Flexibilität und einen kontinuierlichen Austausch ihrer Bevölkerung auszeichnet. Als Transitstadt hat sie die höchste Migrationsquote in Deutschland und steht modellhaft für eine Dezentralisierung urbaner Strukturen, die dem kulturellen Alltag eine neue Funktion zuweisen möchte, um ihn in die post-kapitalistischen Konsumparameter einzubinden. Kultur wird damit nicht mehr als Standortfaktor für gesellschaftliche und ökonomische Entwicklungen gesehen, sondern als austauschbare Software, die auf schnell sich ändernde Bedürfnisse reagiert.

An den Diskussionen von Januar 2004 bis Mai 2004 nahmen Heiner Goebbels (Komponist, Regisseur, Professor für Angewandte Theaterwissenschaften der Universität Gießen, seit 2006 Präsident der Hessischen Theaterakademie), Wanda Golonka (Choreographin, Regisseurin am schauspielfrankfurt), Nikolaus Hirsch (Architekt, Unit Master an der Architectural Association in London (seit 2000) sowie Gastprofessor am Institut für Angewandte Theaterwissenschaften der Universität Gießen (2003 – 2004) und an der Hochschule für Gestaltung Karlsruhe (2004)), Peter Kroher (Dramaturg, schauspielfrankfurt), Vanessa Joan Müller (vormals Kuratorin im Frankfurter Kunstverein, seit 2006 Direktorin für den Kunstverein der Rheinlande und Westfalen), Elisabeth Schweeger (Intendantin, schauspielfrankfurt), Susanne Traub (Dramaturgin) sowie Studentinnen und Studenten aus dem Fachbereich Angewandte Theaterwissenschaften der Universität Gießen teil.


Flucht Punkt Kunst I

Identität und Verwurzelung versus dezentriertes „Nomadentum“: keine Mitte, kein Ort als Heimat, Konsequenzen für den Identitätsbegriff

zu Gast: Thomas Hauschild und Hartmut Häußermann


Flucht Punkt Kunst II

Auflösung von Spache – projizierte Körperlosigkeit im virtuellen Netzraum

zu Gast: Detlev B. Linke


Flucht Punkt Kunst III

Bewegungsspielraum versus Standort: „everything global finally local“?

zu Gast: Otto E. Rössler und Heiko Idensen


Flucht Punkt Kunst IV

Orte der Kunst – braucht Kunst spezielle Orte/Räume?

zu Gast: Martina Löw und Jean Odermatt


Flucht Punkt Kunst V

Funktionen der Kunst

zu Gast: Klaus Heid und Joseph Vogl



Diese Recherche – gefördert durch die Kulturstiftung des Bundes – wurde in einer Publikation des belleville verlag, München, zusammengefasst.

Flucht Punkt Kunst
Herausgegeben von Elisabeth Schweeger
belleville verlag, München, und schauspielfrankfurt; 2006
ISBN 3-936298-41-6
Erhältlich im schauspielfrankfurt für € 24